La Edad Dorada de la Animación / Notas útiles

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Una toma de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? que muestra a los muchos, muchos personajes del día, alrededor de 1947. nota La alineación incluye; Mickey Mouse, Bugs Bunny, Betty Boop, el Pato Donald, Silvestre y Piolín, Pinocho, el Pato Lucas, Minnie Mouse, Mudito, Goofy, Yosemite Sam, Peter de Peter y el Lobo de Disney, el Cachorro Plutón, Bambi, el Arpa Cantora y varios otros personajes sin nombre. "No los hicimos para nadie, los hicimos para nosotros mismos, lo que probablemente fue la forma más sensata de hacerlo de todos modos". — Chuck Jones, director de Looney Tunes . :

La edad de oro de la animación es un período en la historia de la animación que generalmente se acepta que comenzó el 18 de noviembre de 1928, con el lanzamiento de Steamboat Willie , y se cimentó con el ascenso a la prominencia de Fleischer, Warner y MGM en los años siguientes. Se desvaneció gradualmente desde principios de los 50 hasta finales de los 60. Ya sea en 1950, con el estreno de Trouble Indemnity, una caricatura de Mister Magoo; en 1954, con el estreno de Walt Disney's Disneyland; en 1957, cuando MGM cerró su división de caricaturas y abrió Hanna-Barbera; en 1959, cuando Disney estrenó La bella durmiente y United Productions of America recurrió a la televisión; en 1963-64, cuando cerró el estudio original de dibujos animados de WB y DePatie-Freleng comenzó a operar; en 1966, con la muerte de Walt Disney; o incluso entre 1969 y 1972, cuando el departamento de animación de Warner Bros.-Seven Arts y Walter Lantz Productions cerraron cuando los cortometrajes animados teatrales perdieron terreno ante el nuevo (y de mucho menor presupuesto) medio de la animación televisiva.

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Muchos personajes memorables surgieron de este período, incluidos Mickey Mouse, Bugs Bunny, Donald Duck, Daffy Duck, Goofy, Porky Pig, Pluto, Sylvester and Tweety, Minnie Mouse, Daisy Duck, Popeye, Betty Boop, Woody Woodpecker, Mighty Mouse, Mr. Magoo, Tom y Jerry, Droopy, Rocky y Bullwinkle y una popular adaptación de Superman, entre muchas otras que no han sobrevivido en el camino. La animación de largometraje también comenzó durante este período, sobre todo con las primeras películas de Walt Disney: Blancanieves y los siete enanitos , Pinocho , Fantasía , Dumbo y Bambi .

Antes de 1928, la animación era una novedad moribunda: menos del 23 % de los cines presentaban cortos animados y la demanda no aumentaba. Felix the Cat y Out of the Inkwell fueron las únicas series destacadas durante este período, e incluso estas comenzaron a perder fuerza a fines de la década de 1920. El creador de la serie Inkwell , Max Fleischer, fue uno de los principales inversores de Red Seal Pictures, que era una empresa de distribución que producía una variedad de películas, sin limitarse a la animación, antes de su desaparición en 1927. Esto se produjo poco después de que Fleischer experimentara con la sincronización de labios animada a través de su innovadora serie de animación Song Car-Tunes , concretamente con el esfuerzo final de la compañía, By The Light of the Silvery Moon . Muchos argumentan que la serie, que duró de 1924 a 1927, es la portadora de la primera nota de animación sonora, aunque el sonido sincronizado no se incorporó hasta 1926, aunque esa distinción podría atribuirse a la Princeton Sound Test de 1925 y algunos de los oscuros experimentos de animación de Edison con animación recortada, que tenían sonido incorporado.

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A pesar del colapso de la empresa, el trabajo de Max Fleischer fue un éxito importante, ya que fue pionero en el uso de la pelota que rebota. Irónicamente, el proceso de sonido en película de Lee de Forest, que utilizó Fleischer, había sido violado por Pat Powers, quien suministró a Disney el sistema de sonido Cinephone. Después de que Song Car-Tunes y la compañía Red Seal Distribution quebraron, Fleischer carecía de los fondos necesarios para pagar a los laboratorios cinematográficos para que le devolvieran los negativos, por lo que Alfred Weiss se encargó de los pagos y ayudó a establecer un trato con Paramount Pictures, que duró hasta que Fleischer Studios fue adquirido por ellos en 1942. El alcoholismo cada vez más crónico del productor de Felix the Cat, Pat Sullivan, hizo que fuera difícil hablar de asuntos comerciales con él; esto jugó un papel en su incapacidad para ver el potencial del sonido. Un puñado de dibujos animados de Félix se hicieron con sonido en 1930, pero no lograron salvar la serie. Luego, Sullivan planeó mudarse a California para comenzar desde cero antes de que la misteriosa muerte de su esposa lo llevara a una degradación mental intensificada y luego a su muerte.

Paul Terry incorporó sonido en el lanzamiento de Dinner Time , un mes antes del lanzamiento de Steamboat Willie . Sin embargo, carecía del atractivo y la inmersión de la última película debido a que estaba sincronizada posteriormente, lo que significa que el sonido se sincronizó después de que se completó la animación. Esta desconexión tuvo el efecto dañino de hacer que los personajes se sintieran fuera de lugar. Amadee Van Beuren alentó a Paul Terry a continuar produciendo animación sonora, pero rechazó la oferta y fue despedido en el acto. Luego decidió iniciar una sociedad comercial con Frank Moser, conocido por ser un animador extremadamente rápido con una gran producción, dejando a John Foster a cargo del departamento de Amadee.

Esto le dio a Walt Disney la influencia que necesitaba para progresar en la industria. Charles Mintz rechazó su propuesta de aumentar el presupuesto de sus dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit y, de hecho, amenazó con reducir el presupuesto, así como con contratar personal de Disney para sí mismo, incluidos Hugh Harman, Rudy Ising y Friz Freleng. Walt perseveró y logró que Ub Iwerks le proporcionara dibujos que servirían como base para Mickey Mouse. Habían producido Plane Crazy y Gallopin' Gaucho sin mucha fanfarria ni elogios cuando hicieron un lanzamiento silencioso para Steamboat Willie , y llegaron a la conclusión de que la única forma de que Mickey fuera comercializable era explotar la rentabilidad de la película sonora. Steamboat Willie se derivó de Steamboat Bill, Jr. , una característica de Buster Keaton del día, así como el título de una canción novedosa de Arthur Collins.

Mientras tanto, Charles Mintz no estaba cumpliendo su promesa de mejorar el estado de Oswald para Universal y, por lo tanto, le quitaron la alfombra debajo de él. La serie se la entregó a Walter Lantz el propietario del estudio, Carl Laemmle (la leyenda urbana de que ganó un contrato en una partida de póquer contra Laemmle es un mito; Lantz ni siquiera jugaba al póquer; en realidad, Lantz había estado charlando con Laemmle en varias funciones). durante años, incluso sirviendo como conductor designado del jefe del estudio en las fiestas). Lantz, quien comenzó su carrera de animación con "International Film Service" de William Randolph Hearst, colaboró ??con JR Bray en sus series posteriores como Dinky Doodle y Unnatural History , y fue escritor de bromas para Mack Sennett. Lantz, en colaboración con Bill Nolan, produjo cortos de Oswald the Lucky Rabbit a partir de 1929 y duraron hasta 1937 con un intento fallido de reactivación en 1943. Fue por esta época cuando Tex Avery comenzó a hacer sus primeras contribuciones creativas al campo de la animación; su sensibilidad cómica absurda y su distintivo estilo de dibujo con forma de globo animal son fácilmente perceptibles en entradas como Grandma's Pet y Towne Hall Follies , el último debut como director de Avery (aunque sin acreditar). A medida que aumentaba su antigüedad, Avery reemplazó cada vez más a Bill Nolan en lo que respecta a las funciones de dirección y, finalmente, dirigió por completo dos cortometrajes de Oswald (los mencionados anteriormente Follies y The Hillbilly ) meses antes de partir hacia Schlesinger en 1935. Nolan dejó Lantz en 1935, y luego resurgió en 1938 como animador de The Captain and the Kids de MGM y posteriormente en la aventura de Max Fleischer en Miami a finales de los años 30, donde fue acreditado como animador de Gulliver's Travels y se desempeñó como director de facto en varios cortometrajes.

Los primeros dibujos animados sonoros tenían una orientación muy musical y se dibujaban con sencillez, por razones obvias: la animación era un medio caro y, para seguir siendo rentables, los dibujos tenían que producirse y distribuirse lo más rápido posible, con poco tiempo para refinarlos. El uso de música de dominio público (o en el caso de Harman e Ising, toda la biblioteca de música de Warner Bros.) resolvió el problema de la música, lo que permitió agregar rápidamente fragmentos de canciones y sincronizarlos con la animación. Color, mientras tanto, tuvo un comienzo lento; Si bien en el pasado los dibujos animados se coloreaban a mano ocasionalmente (por ejemplo, en las obras de Winsor McCay), no fue hasta 1930 cuando aparecieron los primeros dibujos animados que utilizaron el proceso Technicolor (dos tiras). Primero vino el segmento de prólogo de la película Universal King of Jazz , producida por Lantz y Nolan. Ese año, Ub Iwerks (quien siguió a Powers después de pelearse con Disney) produjo el dibujo animado de Flip the Frog "Fiddlesticks" para MGM, convirtiéndose en el primer cortometraje de dibujos animados en color. Unos años más tarde, Disney hizo lo mismo con su exuberantemente coloreado Silly Symphonies corto "Flowers and Trees" (usando el proceso Technicolor mejorado de tres tiras), cambiando a la producción a todo color en 1935. Sin embargo, estudios como Warner Bros., Fleischer , y Terrytoons de 20th Century Fox se mantendrían en blanco y negro hasta muchos años después.

A pesar de la creciente calidad de los dibujos animados, todavía estaban relegados al papel de mero material de relleno, jugado antes de las atracciones principales de los largometrajes, y como tal, la animación no estaba recibiendo el tratamiento que necesitaba para brillar. Walt Disney hizo todo lo posible para romper este molde, empujando constantemente los límites técnicos con sus dibujos animados en un intento por ser el mejor estudio que existe. Rápidamente buscó abandonar la sincronización lenta y metronómica y los diseños y movimientos simplistas de "mangueras de goma" propios de la mayoría de las animaciones de la época, suplantando poses fijas con acción superpuesta (una técnica desarrollada en 1930 por Norm Ferguson para acentuar, en lugar de obstaculizar, suavizar, movimiento más expresivo a través de la pose), renovando el sistema de producción de animación mediante la introducción del flujo de trabajo de 'animador-asistente-intermediario' utilizado durante décadas después, contratando artistas conceptuales altamente capacitados como Albert Hurter para proporcionar diseños de personajes más representativos y detallados que lo permitido por el estética de manguera de goma convencional (un estilo que la producción de Disney abandonaría casi por completo en 1935), renovando la capacidad de la animación para transmitir parámetros físicos más expresivos y realistas a través de la introducción del principio de 'aplastar y estirar' e instalando un riguroso sistema de capacitación para animadores recién descubiertos. por el profesor de arte Don Graham. Si bien estas medidas abrieron los cortometrajes de Disney de los años treinta a una forma de narración más centrada en los personajes y a un conjunto de sensibilidades visuales con más propósito (lo que les otorgó una ventaja técnica y crítica significativa sobre muchos de sus contemporáneos), Disney, sin embargo, se dio cuenta de que no importaba cuánto esfuerzo pusiera en estos cortos, nunca serían particularmente rentables, ya que las ganancias de los cortos dependían de la duración de la película, más que de la popularidad. Este principio se había observado previamente con su caricatura Silly Symphony Los tres cerditos , que cosechó poco debido a su tiempo de ejecución. Así llegó el siguiente gran paso de Disney para la animación: el primer largometraje animado de Estados Unidos, Blancanieves y los siete enanitos , en el que comenzó a trabajar en 1934.

Si bien la idea de una película animada de largometraje no era nada nuevo para los países extranjeros, esta fue la primera en tener sonido y color. Además de eso, Blancanieves tenía una producción de arte y animación de una calidad sorprendentemente alta que superó a la competencia y se las arregla para mantenerse hasta el día de hoy. Otro factor atribuido a su destaque fue la fórmula de la historia simple pero efectiva de Disney: usa los personajes , no la trama, para definir la película. Mientras que Blancanieves fue ridiculizada durante la producción, vilipendiada como "La locura de Disney" -incluso por la propia esposa de Disney-, la película fue un éxito instantáneo cuando se estrenó en los cines el 21 de diciembre de 1937, recibió elogios universales de la crítica y el público y se convirtió en la película más rentable. exitosa película cinematográfica de su época.

No obstante, todavía no todo estaba bien, ya que la influencia de Disney fue una bendición muy mixta para la industria. Por un lado, comenzó a construir sobre la idea, antes impensable, de que la animación podía competir con la acción en vivo, mientras que, por otro lado, hizo que la industria de la animación se volviera mucho, mucho más costosa, lo que requería mucha más financiación y dibujantes mucho más hábiles. Esta demanda privó de sus trabajos a muchos animadores establecidos, ya que ya no podían cumplir con los deseos de sus estudios. Además, casi todos los estudios de la época, excepto Terrytoons, comenzaron a copiar las obras de Disney. Muy pronto, todos, desde los hermanos Fleischer de alto presupuesto y MGM, dirigidos por los ex veteranos de Disney Harman e Ising, hasta los puntos de venta de bajo presupuesto, incluidos Walter Lantz, Van Beuren Studios y el estudio Ub Iwerks, estaban tratando de imitar a Disney. Sin embargo, todos estos intentos llevaron a callejones sin salida, ya que esos estudios solo copiaron los aspectos superficiales de los dibujos animados de Disney, los escenarios de cuento de hadas, con su color y animación exuberante, sin importar ninguno de los personajes de Disney o las habilidades narrativas. que fueron igualmente cruciales para ayudar a las obras de Disney a encontrar su éxito.

En sintonía con la continua evolución de la animación, los hermanos Fleischer se encontraron haciendo trabajos más largos, comenzando con tres dibujos animados de dos carretes de Popeye the Sailor , los dos primeros lanzados incluso antes de Blancanieves . Desafortunadamente, el éxito de estos trabajos, junto con el de la serie Popeye en su conjunto, obligó a un aumento importante en la ya voluminosa carga de trabajo del estudio, provocando tensiones entre los miembros del personal de menor rango que, cuando se ven agravadas por el rígido sistema de jerarquía del estudio (en que los animadores completos a menudo recibían un salario desproporcionadamente más alto que los peldaños más bajos de la fuerza laboral, como animadores asistentes o intermediarios), culminó en la primera huelga a gran escala de la industria de la animación en 1937. Debido a su mentalidad paternalista, Max Fleischer se vio sacudido por las protestas de su personal, lo que percibió como una 'traición', y optó por trasladar las instalaciones del estudio a Miami para evitar más acciones sindicales, a pesar de la falta de instalaciones cinematográficas o talento de animación capacitado en el lugar (que los Fleischer intentaron eludir contratando a varios animadores y guionistas de los estudios de la costa oeste, incluida la recontratación de los primeros incondicionales de Fleischer, Grim Natwick, Al Eugster y Shamus Culh ano). Tales inconvenientes complicaron aún más la producción del primer largometraje de los Fleischer, Los viajes de Gulliver , que se sometió al menos a una revisión narrativa importante y, a pesar de su relativo éxito financiero, sufrió conflictos creativos entre los veteranos de Fleischer y los recién llegados de la costa oeste que componen el estudio en el tiempo. Los intentos posteriores de crear nuevos personajes recurrentes y series cortas resultaron desastrosos, lo que colocó al estudio en un estado vulnerable acentuado por el creciente distanciamiento entre Max y Dave Fleischer. Tras el fracaso financiero del segundo largometraje de los Fleischer, Mr. Bug Goes to Town (en gran parte debido a la inexistencia de marketing), el destino del estudio quedó sellado: los Fleischer acordaron ceder el control por completo a Paramount, que lo reestructuró en un estudio más creativamente conservador. "Famous Studios", redujo el personal y, en un año, trasladó las operaciones a Nueva York. Sin embargo, los oscuros años finales del estudio Fleischer tuvieron al menos una luz entre ellos, siendo estos los primeros dibujos animados de Superman , destacados por sus lujosas cualidades estéticas y sus efectos de animación inusualmente grandilocuentes.

Mientras tanto, Warner Bros. Leon Schlesinger Productions vio la llegada de Tex Avery, cuyas caricaturas de broma rompieron con la fórmula de "imitación de Disney" impuesta por Harman e Ising allí. El éxito de Daffy Duck condujo al surgimiento de otros personajes "chiflados" como Goofy, en contraste con los personajes "normales" encarnados por Mickey Mouse y Porky Pig.

Las tornas finalmente cambiaron en Disney con los desastrosos fracasos de Pinocho y Fantasía en 1940, el mismo año en que debutaron Bugs Bunny y Tom y Jerry y desencadenaron una ola de personajes estrafalarios como Woody Woodpecker de Walter Lantz, The Fox and the Crow y Herman y Katnip de Famous Studios, entre muchos otros imitadores. Poco después, Tex Avery dejó Warner Bros. por MGM, donde se realizaron algunas de las animaciones más salvajes jamás producidas, así como su personaje Droopy. A pesar de las limitaciones en el presupuesto, los recursos y la mano de obra debido al esfuerzo bélico, muchos conocedores de la animación consideran que la década de 1940 fue el apogeo de esta era, donde la sincronización cómica y la animación fluida estuvieron fácilmente en su punto más alto en la historia de la animación.

La era de la posguerra cambió radicalmente las cosas una vez más, ya que la televisión se convirtió en el medio de entretenimiento preferido de Estados Unidos. Como si esto no fuera suficiente para la industria del cine, el "caso Paramount" de 1948 separó los estudios de sus cadenas de cines, lo que condujo a la Caída del Studio System. Esta gran cantidad de parodias hizo cada vez más difícil vender dibujos animados a los cines, que prefirieron ir con la ruta de doble función más rentable. Como tal, los animadores se vieron obligados a tomar cada vez más atajos en su trabajo. UPA solucionó esto con el uso de Animación Limitada, que recibió un gran reconocimiento durante los años 50, pero ni siquiera este segundo aire fue suficiente para mantener el medio a flote, particularmente porque un número creciente de productores de animación explotaron la influencia de UPA simplemente para reducir los costos de producción. , caracterizando cada vez más a la animación limitada, particularmente a finales de los años cincuenta, como sinónimo del movimiento y la estética de abaratamiento de gran parte de la producción del período más que la técnica estilística prevista por UPA. A finales de la década, solo un puñado de estudios seguían produciendo obras teatrales, y se desmantelaron durante la década de los 60 (a pesar de que surgió un nuevo estudio, DFE, principalmente para producir una serie de cortos protagonizados por un cierto felino de tonos neón). ). Desterrado a la televisión, parecían meras sombras de su antigua gloria, desvaneciéndose rápidamente bajo el brillo de la pantalla de cristal de la caja tonta. Sin embargo, la ayuda estaba en camino.

Para una historia más completa de la era, visite la versión de The Other Wiki aquí.

Para conocer el precursor de esta era, vaya a La era silenciosa de la animación. Para su sucesor, echa un vistazo a The Dark Age of Animation. Para ver el equivalente de la película de acción en vivo de esta época, visite La edad de oro de Hollywood.

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  • Pantalones cortos clásicos de Disney:
    • Mickey Mouse (1928-1953): Apareció en 125 temas cortos de 1928 a 1953, hizo cuatro apariciones en largometrajes, tenga en cuenta que son "La vuelta al mundo en 80 minutos", "Fiesta de Hollywood", "El aprendiz de brujo" y "Mickey". and the Beanstalk" y fue la gran estrella inicial de Disney.
    • Pato Donald: apareció en 1934 ("La gallinita sabia"), se graduó en su propia serie a fines de la década de 1930 y protagonizó aprox. 166 cortometrajes e hizo cinco apariciones en largometrajes animados.
    • Goofy: Apareció en 1932 ("Mickey's Revue"), protagonizando muchas caricaturas de Mickey Mouse y Donald Duck antes de obtener su propia serie en 1939, que duró 50 cortos.
    • Pluto the Pup: Apareció en 1930 ("The Chain Gang"), protagonizando muchas caricaturas de Mickey Mouse e incluso un cortometraje independiente en 1937 hasta que se graduó con su propia serie en 1940, que duró 44 cortos y finalizó en 1951.
    • Silly Symphonies (1929-1939): una serie pionera de dibujos animados en color, generalmente centrada en música sincronizada y utilizada para experimentar con técnicas de animación. Duró de 1929 a 1939 durante 75 cortos. Inspiró muchas imitaciones e imitaciones en los años 30.
    • Figaro: un spin-off de muy corta duración de Pinocho , que duró tres cortos, y el personaje invitado protagonizó cuatro dibujos animados de Plutón.
    • Chip 'n Dale: Personajes recurrentes que debutaron en 1943 y duraron hasta 1956, haciendo apariciones en dibujos animados de Pluto y Donald Duck, e incluso protagonizaron tres de sus propios temas cortos.
    • Humphrey The Bear: Guest protagonizó dibujos animados del Pato Donald en The '50s y protagonizó algunos cortos propios.
    • Varios Cortos de Disney: Esto incluye cortos que no fueron marcados con un nombre de serie específico, como algunos de los dibujos animados de Wartime, Ferdinand the Bull y Adventures in Music Duology.
  • Canon animado de Disney: todo lo enumerado antes de Robin Hood (y debajo) es material de Disney de la Edad de Oro:
    • Blancanieves y los siete enanitos (1937): el largometraje animado original (cualquier tipo de animación) en los EE. UU. y el largometraje original dibujado a mano en todo el mundo.
    • Pinocho (1940): el primer gran fracaso de Disney, debido más que nada a la Segunda Guerra Mundial.
    • Fantasia (1940): Un desastre financiero y crítico en su primer estreno, pero el tiempo ha sido más bien amable con esta película. También la primera aparición en un largometraje de Mickey Mouse.
    • Dumbo (1941): La primera de las funciones de presupuesto de Disney, hecha para recuperar las pérdidas de Pinocho y Fantasía .
    • Bambi (1942): la autoproclamada mejor de Disney.
    • Saludos Amigos (1942/1943): Película realizada como mensaje de buena voluntad para América Latina. También el largometraje más corto de Disney con 40 minutos. También la primera de las películas de antología de presupuesto de Disney.
    • Los Tres Caballeros (1944/1945): La continuación de Saludos Amigos.
    • Make Mine Music (1946): otro paquete de antología orientado a la música.
    • Fun and Fancy Free (1947): la segunda aparición de Mickey, más conocida por Mickey and the Beanstalk, más que la primera mitad de la película "Bongo".
    • Melody Time (1948): otra película de antología orientada a la música.
    • Las aventuras de Ichabod y Mr. Toad (1949): la última de las películas del paquete de Disney.
    • Cenicienta (1950): La película que sacó a Disney de su depresión y la volvió a poner en la cima.
    • Alicia en el país de las maravillas (1951): un fracaso inicialmente ridiculizado (incluso del propio Walt), pero los años han sido muy amables con la película.
    • Peter Pan (1953): Una de las películas de la Edad de Oro más queridas de Disney.
    • La dama y el vagabundo (1955): primer largometraje de Disney en Cinemascope.
    • La bella durmiente (1959): podría decirse que es el último largometraje "clásico" de Disney. Su costo exorbitante y sus enormes pérdidas llevaron a la empresa a concentrarse en la televisión y los parques temáticos.
    • 101 dálmatas (1961): Puede ser el comienzo de la Edad Oscura de Disney, pero con él involucrado, sigue siendo una de las películas más exitosas.
    • La espada en la piedra (1963)
    • El libro de la selva (1967): la última película de gran éxito de Disney hasta La Sirenita
    • Los Aristogatos (1970): Definitivamente la última película de Disney de la época dorada, ya que la muerte de Walt hizo que la emotiva historia se desvaneciera.
  • Obras que no son de Canon: otras películas de Disney que presentan parcialmente su animación. En ocasiones esporádicas, Disney incluso aportaba animación para películas de otros estudios.
    • La vuelta al mundo en ochenta minutos (1931): contiene una breve secuencia animada con Mickey Mouse.
    • My Lips Betray (1933): Disney proporcionó una secuencia animada para esta imagen de Fox Film.
    • Entrada de sirvientes (1934): otra función de Fox para la que Disney proporcionó una secuencia animada.
    • Hollywood Party (1934): si bien esta es en realidad una película de MGM, la mayor parte de la cual es acción en vivo, un segmento presentaba animación realizada completamente por Disney en la línea de sus Silly Symphonies, y una breve secuencia de Mickey Mouse interactuando con Jimmy Durante. .
    • The Reluctant Dragon (1941): una función realizada antes de Dumbo en un intento de hacer algo de dinero rápido para Disney, la mayor parte se centra en el periodista Robert Benchley, quien está recorriendo el entonces nuevo estudio Burbank de Disney en un intento de vender el historia "The Reluctant Dragon" como una película, todo mientras obtiene una mirada humorística detrás de escena del proceso de animación, completa con algunos segmentos animados, el más notable es el segmento "Baby Weems", narrado completamente a través de guiones gráficos con casi sin animación.
    • Victoria a través del poder aéreo (1943)
    • Canción del sur (1946)
    • Tan querido para mi corazón (1948)
    • Mary Poppins (1964): esto fue supervisado por Walt Disney, quien vio su lanzamiento.

  • Looney Tunes: Los dibujos animados que no son de Disney más conocidos y queridos de la Edad de Oro. Comenzó como una serie de clones de Silly Symphonies hasta que el estudio comenzó Growing the Beard y ambos títulos terminaron siendo solo títulos generales para todos sus dibujos animados.
  • Merrie Melodies: Igual que arriba.
    • La mayor parte de la filmografía de Looney Tunes y Merrie Melodies se realizó durante este período de tiempo. Verifíquelos a continuación para ver cuánto trabajo se realizó durante el tiempo.
      • Looney Tunes en los años 30: cubre el corto de 1929 a 1939.
      • Looney Tunes en los años 40: cubre los cortos de 1940 a 1949.
      • Looney Tunes en los años 50: cubre los cortos de 1950 a 1959.
      • Looney Tunes en los años 60: cubre los cortos de 1960 a 1969.
  • Personajes Populares
    • Bugs Bunny: Aparecido en 1940.
    • Pato Lucas: Aparecido en 1937.
    • Cerdo Porky: Aparecido en 1935.
    • Sylvester the Cat y Tweety Bird: Tweety apareció por primera vez en 1942, mientras que Sylvester debutó en 1945. Su primera pareja se hizo en 1947.
    • Pepé Le Pew: Aparecido en 1945.
    • Foghorn Leghorn: Apareció en 1946.
    • Wile E. Coyote y el Correcaminos: Aparecido en 1949.
    • Bosko, Talk-Ink Kid: Apareció en 1930. La primera estrella del estudio.
  • Pantalones cortos varios
    • The Censored Eleven: once dibujos animados de WB retirados de la distribución oficial en 1968 debido a los extensos estereotipos raciales.
    • Private Snafu: una serie de dibujos animados de Cult Classic Wartime realizada por este estudio.
    • Seaman Hook : otra serie realizada por el estudio que duró cuatro cortos; tres de ellos fueron realizados por el estudio de Leon, mientras que uno fue subcontratado al estudio de Walter Lantz. El personaje principal también fue diseñado por el creador de Dennis the Menace (EE. UU.) , Hank Ketcham.
    • ¿Cuándo es tu cumpleaños? (1937): una película de acción en vivo con una secuencia animada en la apertura, que fue dirigida por Bob Clampett.
    • She Married A Cop (1939): presenta un viaje a través de un estudio de animación (sin duda, Termite Terrace, aunque la historia afirma que es un estudio de dibujos animados de Nueva York) completo con una caricatura animada que presenta imitaciones de Porky y Petunia Pig.
    • Two Guys From Texas (1948): presenta un segmento animado, donde Bugs Bunny hace un cameo.
    • My Dream is Yours (1949): si bien la mayor parte es una película de acción en vivo, tiene un segmento de acción / animación en vivo protagonizado por Bugs Bunny.

  • Happy Harmonies: una serie de clones de Silly Symphonies realizados por Hugh Harman y Rudolph Ising. Esta serie también presenta apariciones de Bosko, Talk-Ink Kid, tanto en su diseño de mancha de tinta original como en un rediseño completo de Blackface Kid.
  • El capitán y los niños: la primera serie de dibujos animados producida por el nuevo estudio de dibujos animados interno MGM. Esta fue una serie desastrosa de temas cortos adaptados de la tira cómica de Rudolph Dirks. Friz Freleng dirigió algunos de estos durante su breve mandato en MGM y pudo atestiguar que justificaron el fracaso.
  • Count Screwloose : una serie de muy corta duración basada en los personajes clásicos de tiras cómicas de Milt Gross Count Screwloose de Tooloose y su perro Iggy (rebautizado como "JR The Wonder Dog") realizada en un intento de compensar el fracaso de El capitán y los niños . El propio Milt fue contratado para dirigir ambos cortos.
  • Tom y Jerry: los cortos más populares de MGM, creados por Will Hanna y Joseph Barbera.
  • Anchors Aweigh (1945): una película en su mayoría de acción en vivo, más notable por la famosa secuencia de Gene Kelly bailando con Jerry Mouse.
  • Dangerous When Wet (1953): otra película de acción en vivo que presenta una secuencia de Roger Rabbit Effect, con Esther Williams junto a Tom y Jerry bajo el agua.
  • Invitación al baile (1956): una película de Gene Kelly que presenta varias secuencias de Roger Rabbit Effect muy bien hechas.
  • MGM Oneshot Cartoons: MGM también hizo muchos cortos sin clasificar que no formaban parte de ninguna serie en ejecución, incluso antes de que Tex Avery llegara al estudio, obras como "Oficial Pooch", "La pulga sin hogar", "Little Buck Cheeser", "The Mad Maestro", "Las vacaciones de la cigüeña", "Paz en la Tierra", etc.
  • Barney Bear: un desafortunado personaje de Chew Toy creado por Rudolph Ising en MGM, justo cuando el estudio comenzó a hacer que sus dibujos animados fueran más cómicos y menos cursis. Barney Bear protagonizó varios cortos entre 1939 y 1954, pero estos cortos a menudo se ven eclipsados ????por los cortos de MGM de Tom y Jerry y Tex Avery.
  • Dibujos animados de Tex Avery MGM: Esto incluye a Screwy Squirrel, Droopy y MUCHOS one-shots.
    • Caído
  • Forbidden Planet (1956): Notable por la escena de animación/acción en vivo de ID Monster, realizada por el animador de Disney Joshua Meador, quien fue prestado a MGM por Disney.

  • Out of the Inkwell / Inkwell Imps (1918-1929): la serie terminó justo cuando comenzó la era.
  • Talkartoons (1929-1932): una serie de dibujos animados sonoros protagonizada inicialmente por el personaje recurrente Bimbo, el perro. Eventualmente se convirtió en la serie Betty Boop.
  • Screen Songs (1929-1938): una serie de dibujos animados de sonido tempranos que usaban la pelota que rebota de Max. Screen Songs más tarde sería revivido por Famous Studios.
  • Betty Boop (1932-1939): uno de los personajes más populares de los hermanos Fleischer y el primer símbolo sexual de la animación. Betty también fue uno de los personajes favoritos de la leyenda del anime Osamu Tezuka. La estrella de dibujos animados original de Silent Age de los Fleischer, Koko the Clown, también aparecería con frecuencia en sus primeros cortos.
  • Popeye (1933-1942): Una aclamada adaptación de la amada tira cómica de EC Segar, los cortos de Popeye fueron el mayor sostén económico del estudio, con una duración de 106 cortos en blanco y negro (y tres carretes de dos colores) durante la vida útil de los estudios.
    • Popeye the Sailor (1933): la primera caricatura animada de Popeye. En realidad, un piloto mal disfrazado, ya que se anunciaba como una caricatura de Betty Boop, pero con la propia Betty degradada a Extra.
    • Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor (1936): una notable "característica de dibujos animados a todo color" de dos bobinas, protagonizada por el marinero con un calcetín. El primero de los tres Popeye Color Specials.
    • Popeye the Sailor Meets Forty Thieves de Ali Baba (1937): otra mini función a todo color, realizada como continuación de Sindbad. Segundo de los Especiales de Color de Popeye .
    • Aladdin and His Wonderful Lamp (1939): el tercero y último de los especiales de color de Popeye .
  • Color Classics (1934-1941): una serie de 36 clones de Silly Symphonies realizados por los Fleischer.
    • Estos cortos también cuentan con una subserie de 7 cortos llamada "Hunky and Spunky", protagonizada por la madre burra del mismo nombre y su hijo. Betty Boop también hizo una aparición en el primero (en su única aparición teatral en color), y su abuelo, Grampy, encabezaría un corto propio en la serie.
  • Los viajes de Gulliver (1939): la primera puñalada de los Fleischer en un largometraje en un intento de sacar provecho del éxito de Blancanieves. La película fue un modesto éxito de taquilla.
    • Gabby (1940-1941): Serie de 8 cortos basada en el pregonero de Los viajes de Gulliver .
  • Payasadas animadas (1940-1941): 11 dibujos animados cortos, seis de los cuales son cortos de una sola toma (y uno de ellos evita notablemente la animación dibujada a mano por un enfoque de stop motion). Cinco de ellos presentarían personajes de Los viajes de Gulliver ; dos sobre los espías Sneak, Snoop y Snitch, y tres sobre Twinkletoes the Carrier Pigeon.
  • Edad de piedra (1940): una serie corta de 12 dibujos animados temáticos de cavernícolas.
  • Superman Theatrical Cartoons (1941-1942): una serie de temas cortos rotoscópicos de gran presupuesto que ayudaron a consolidar al Hombre de Acero como un ícono de la cultura pop, así como a influir en todo el DCAU y cineastas como Hayao Miyazaki. Los primeros 9 cortos estuvieron a cargo de los Fleischer, mientras que los otros 8 fueron realizados por Famous Studios.
  • Mr. Bug Goes to Town (1941): The Fleischers' second—and last—animated film, which had the misfortune of being released just when Pearl Harbor was around the corner (two days to be exact), not to mention the lack of promotion from Paramount. As a result, the film tanked at the box office and was part of what brought Fleischer Studios to its demise.
  • Raggedy Ann and Raggedy Andy (1941): A two-reeler short subject centered on Johnny Gruelle's beloved characters.
  • The Raven (1942): A two-reeler, color cartoon, which is an In Name Only adaptation of " The Raven".

  • Oswald the Lucky Rabbit (1929-1938, 1943): Initially made as a Silent Age cartoon star by Walt Disney, when his creator left he fell into the hands of Walter Lantz, the head of Universal's animation department, after Oswald had been taken from Charles Mintz's studio "Winkler Pictures" at that time, after Mintz had taken Oswald from Disney beforehand. While he would continue making appearances throughout the thirties, he never regained his original popularity he earned under Disney's watch. The character was fairly popular early on, but was gradually phased out by 1938, with an ill-fated revival attempt circa 1943 (with the exception of a brief cameo in The Woody Woodpecker Polka during the early 50's).
  • The King of Jazz (1930): Not the whole film, but the opening animated technicolor segment, the very first use of Technicolor in a cartoon, in fact.
  • Pooch the Pup (1932-1933): 13 short comedies that were probably meant to give Lantz another star besides Oswald.
  • Peterkin : A oneshot short starring a character created by William Pogony, an attempt to launch a new star for Lantz.
  • Meany, Miny and Moe (1936-1937): A series of 13 shorts centered around a trio of Three Stooges-esque monkeys, who initially appeared in four Oswald shorts.
  • Baby-Face Mouse
  • Snuffy Skunk
  • Doxie
  • Jock and Jill
  • Andy Panda (1939-1949): Universal and Walter Lantz's second major cartoon star after the Oswald series ran out of gas. Initially popular when he debuted in 1939, the cub almost as quickly fell out of popularity when Woody Woodpecker made his debut in one of his shorts. He would still pop up in the occasional short afterwards until he was completely phased out by 1949 (with the exception of a non-speaking cameo in The Woody Woodpecker Polka along with Oswald during the 50s, as well as an appearance in the Woody Woodpecker show special Spook-a-Nanny).
  • Woody Woodpecker (1941-1972): Lantz's attempt at cashing in on The Prankster craze of the early 40's, which resulted in a beloved series of short subjects, making Woody a huge star and the official mascot of Universal Studios. He starred in 195 shorts.
  • Chilly Willy (1953-1972): Another popular Universal cartoon character that debuted in the 50s. While this cute lil' penguin never reached the popularity of Woody Woodpecker, he did last long enough to get 50 shorts. Tex Avery (after he left MGM) also directed two of his early cartoons, helping establish an identity for the series.
  • Cartune Classics (1934-1942, 1953-1957): An on-and-off series of oneshot cartoons. Lasted for 51 shorts.
  • Swing Symphonies (1941-1945): A 14 short series of musically oriented cartoons, often themed around top swing and boogie-woogie songs.
  • Musical Miniatures (1946-1948: A short lived offshoot of Swing Symphonies, but themed around classical music. Only lasted for six shorts.
  • Abbott And Costello Meet Frankenstein : The studio animated the opening cartoon sequence for the film.
  • Sioux City Sue (1947): A B-Western with a brief animated sequence done by Lantz.
  • Destination Moon (1950): Woody Woodpecker makes a brief appearance, in his newly redesigned form, via an animated sequence explaining rocket propulsion.

  • Popeye the Sailor (inherited from Fleischer Studios, 1942 – 1957)
  • Superman (inherited from Fleischer Studios, 1942 – 1943)
  • Noveltoons (1943 – 1967)
  • Little Lulu (1943 – 1948)
  • Little Audrey (1947-1958)
  • Raggedy Ann : Appeared in two shorts made by the studio: "Suddenly It's Spring" (1944), and " The Enchanted Square" (1947).
  • Screen Songs (1947 – 1951; a revival of the original Fleischer Studios series)
  • Herman and Katnip (1949 – 1959)
  • Casper the Friendly Ghost (Initially appeared in three Noveltoons short subjects, graduated to a standalone series from 1950 – 1959)
  • Baby Huey (1950-1959)
  • Kartunes (1951 – 1953): The spiritual successor to Screen Songs.
  • Modern Madcaps : Initially appeared in 1958, right in the twilight years of this era, but lasted to 1967.

  • Winkler Productions
    • Krazy Kat : An In Name Only adaptation of the classic comic strip.
    • Toby The Pup : A short lived series produced by Mintz's studio for RKO Radio. 12 were made, and only 7 are known to still exist.
    • Scrappy : An interesting anti-Mickey Mouse series of shorts created by Fleischer veteran Dick Heumor. Columbia's Most Successful Cartoon of the 1930's. Not to be confused with that other scrappy.
    • Color Rhapsodies : A series of color Silly Symphonies clones.
    • Barney Google : A very short lived series based on this popular comic strip of the time in an attempt to duplicate the success of Popeye at Fleischer. However, it was a flop and only four films were made.
  • Screen Gems
    • Phantasies : A series of B&W cartoons released to replace the Scrappy series.
      • One of these cartoons, " Leave It Or Chase It", was a short adaptation of the classic comic book Superkatt .
    • Fables : Another series of B&W cartoons released to replace the Krazy Kat series.
    • The Fox and the Crow : A 20 short series created by Warner Bros. veteran Frank Tashlin. Arguably the most successful of Columbia's cartoons besides Scrappy.
    • Pete Pelican : Another attempt at a series by Tashlin, but only lasted for two shorts.
    • Li'l Abner : A brief attempt at an adaptation of this comic was attempted in 1944, but was ultimately a failure.
    • The 40s Columbia studio also made many other oneshots or short lived attempts at launching potential new series, far too many to list here individually.
    • In the late 40s, in Columbia's live action Superman serials, there would be a bizarre use of the Roger Rabbit Effect, that when Superman takes flight, he turns into an animated version of himself (done due to budget constraints). These animated bits were done by ex-Disney veteran Howard Swift.
  • United Productions of America
    • Mr. Magoo : The world's most famous short sighted old man. He got his start in 1949 towards the tail end of the Golden Age.
    • Gerald McBoing-Boing
    • UPA also made many oneshot cartoons not part of any recurring series, such as " The Tell-Tale Heart" and "The Unicorn in the Garden".

  • Mighty Mouse (1942-1954, 1959, 1961): The cartoon star of Paul Terry for 20th Century Fox.
  • Heckle and Jeckle (1946-1955, 1957, 1959-1961, 1966): Another beloved series of shorts made by Paul Terry.
  • Tom Terrific (1957-1958)
  • Sidney the Elephant (1958-1963)
  • Hashimoto-san (1959-1963)
  • Gandy Goose and Sourpuss
  • Farmer Alfalfa : Terry's original silent star who lasted all the way up to the late 50s!
  • Dinky Duck
  • Nancy: The studio made two cartoon shorts adapting the classic comic strip during the 40's.
  • Little Roguefort
  • Kiko the Kangaroo
  • Puddy the Pup
  • The Terry Bears
  • Hector Heathnote
  • Luno

  • Flip the Frog : A series of animated shorts made by Ub Iwerks after he left Disney to make his own animation studio. Distributed, but not made, by MGM.
  • Willie Whopper : Another series made by Ub Iwerks, starring a young little boy. Also distributed by MGM.
  • Comi Color Cartoons (1933-1936): A 25 short series made by Ub Iwerks after he lost MGM as his cartoon distributor in favor of Harman and Ising's shorts. These cartoons being distributed through Pat Powers's "Celebrity Pictures." Predictably, the series was Iwerks' answer to Disney's Silly Symphonies shorts.

  • Aesop's Sound Fables, AKA "Aesop's Film Fables" (1929-1933) inherited from Van Beuren's Fables Studio, which was led by Paul Terry. Originally a long running silent cartoon series, it now became a series of sound cartoons which introduced one of the earliest sound cartoons, "Dinnertime". It lasted around 120 shorts, including its sub-series.
    • The Fables had its own sub-series, "Cubby Bear" (1933-1934), which ran for 16 shorts, with a 17th one being finished, but unreleased until it resurfaced on a Cubby Bear DVD collection decades later. Notably, two shorts in the series, "Gay Gaucho" (1933) and the unreleased "Mischievous Mice" (1934) were outsourced to the Harman and Ising cartoon studio, and they heavily resemble the Bosko cartoons they made.
  • Amos N' Andy : A short lived attempt at adapting the popular radio show of the 30s. It notably featured their original radio actors reprising their roles, but it only lasted for two shorts.
  • The Little King (1933-1934). An animated adaptation of Otto Soglow's classic comic strip character, lasting 10 shorts.
  • Toddle Tales (1934); A very short lived Roger Rabbit Effect-based series of cartoons made by Burt Gillett to help beef up the quality of Van Beuren's product.
  • Rainbow Parade (1934-1936); A series of color cartoons that lasted 27 shorts, which include some oneshots, and several sub-series, including an adaptation of the Toonerville Trolley newspaper comics, and their own in-house creations such as Molly Moo Cow and Parrotville Old Folks. Many of the non-series Rainbow Parades are obvious knockoffs of Disney's Silly Symphonies, typical of the 1930s.
    • Felix the Cat (Otto Messmer) (1936 revival) While Felix the Cat was very prominent in the silent era, the rise of sound film ultimately proved to be his downfall. However, he survived as a popular newspaper comic, and did receive a very brief three-cartoon revival via Van Beuren Studios' "Rainbow Parade" series during the 1930s, with a fourth short in the planning stages before the Van Beuren Studio abruptly went belly-up In 1936.
  • Van Beurens Tom And Jerry (1931-1933) Two bungling young men, one short, one tall, which ran for 26 shorts. Absolutely no relation to MGM's Tom and Jerry shorts (except for the fact Joe Barbera worked in both series), but when r

    Video: 1930s animation

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